ВЫСТАВКА ИННЫ ЛЕМОНОВОЙ «МОЯ ГОРЯЧАЯ ЛЮБОВЬ»

Итоги выставки

«…живопись на эмали вечна…

Эмалевая живопись сохраняет яркость и нежность красок и

нескончаемо разнообразна».

                                                               Леонардо да Винчи

С 25 июля по 23 августа в малом зале Дома художника работала персональная выставка Инны Лемоновой «Моя горячая любовь», представившая 85 работ, выполненных художником в технике горячей эмали  в период с 2010 по 2024 гг. 

Инна Лемонова родилась в Свердловске, живет и работает в Екатеринбурге. С 1991 г. училась в художественной школе им. П.П. Хожателева, где впервые участвовала в выставках творческих работ учеников школы. С 1994 по 2000 гг. училась в Российском государственном профессионально-педагогическом университете на кафедре декоративно-прикладного искусства. С 2001 г. преподает на кафедре декоративно-прикладного искусства РГППУ.  Член Союза художников России с 2013 г., с  2014 по 2014 гг. входила в состав ревизионной комиссии, с 2024 г. является членом  Правления Свердловского отделения СХР. Участник выставок различного уровня с 1990-х гг. - от городских до международных.  Работы художника находятся в музеях Екатеринбурга, Ирбита, Новосибирска, Уфы, Понте-сан-Пьетро (Италия), в частных коллекциях России, Европы, Израиля, США.

Профессиональное становление Инны Лемоновой в качестве эмальера началось ещё в стенах родной кафедры под руководством педагога Л. В. Мартиросовой. Именно в РГППУ в 2000-х гг. сложился коллектив художников, для которых эмаль стала важным инструментом авторского высказывания. Овладение данной техникой продолжилось в Ярославле на симпозиумах творческой мастерской «ЭМАЛИС» под патронажем заслуженного художника А. Кариха, а результатом стало образование студенческой группы «Деко», с 2010 г. получившей название «Э.mix», руководителем которой и является с 2010 г.  Инна Лемонова.  На данный момент «Э.mix» - это творческое содружество художников разных возрастов и статусов, работающих в технике горячей эмали, особая среда, где каждый учит и учится, открывает новые горизонты художественной выразительности, делится секретами технологий, взаимодействует и взаимовлияет друг на друга.

Эмаль - древний вид искусства, который представляет собой способ соединения стекла и металла при помощи высоких (свыше 800 градусов) температур. Значительный след в развитии этой древней технологии оставили китайские, византийские и французские (особенно лиможские) мастера. Изделия из эмали с глубокой древности ценились столь же высоко, как и ювелирные украшения;  не только художественные достоинства отличают эмали, но и  функциональность, долговечность, что делает их чрезвычайно востребованными  в промышленности, технике, военной сфере и т.д. В к. XX – н. XXI  в., благодаря новым технологиям,  эмаль стала стремительно развиваться, в результате чего появилось много художников, работающих в данной области, сформировались новые творческие сообщества. В отличие от древних мастеров, работавших на золоте и серебре, современные эмальеры в качестве основы используют медь, сталь,  чугун, платину, томпак, алюминий и другие металлы, а в материалах применяет специальные краски: матирующие, с дополнительным блеском, майолики, фактурные и «скульптурные краски» (не боящиеся объемного нанесения), металлизированные составы и многое другое.

Технологическая сложность создания эмальерного изображения заключается в длительной, многоэтапной, двухсторонней подготовке металлической пластины, тщательной работы с рисунком и красками, подвергающихся высокотемпературной обработке (зачастую неоднократной), ведь любая примесь может изменить звучание пигмента, неточность в выборе цвета нарушить колористический строй и искажение  замысла. Даже основные техники эмалирования (перегородчатая;  выемчатая;  витражная;  гильяшированная;  граффити; живописная; смешанная эмаль; живопись эмалевыми красками) дают невероятно широкий диапазон для художника. Эмаль имеет, как любой материал, свой пластический язык, присущий только данному искусству. Лаконичное выражение смысла, его знаковость и образное наполнение порою значительно превышает его изобразительную конкретность. Конечно, сохраняется формат «панно», но гораздо чаще эмаль становится станковой картиной, написанной особыми красками. Сочетая цвето-световую насыщенность, устойчивость к внешним воздействиям,  неповторимость  авторского высказывания эмаль таит в себе еще очень большой спектр неоткрытых и непознанных свойств и, по сути, находится на начальном пути развития.

В экспозиции «Моя горячая любовь» Инна Лемонова демонстрирует широту творческого диапазона художника, высказывающегося на сложные философские вопросы, осмысляющего историю цивилизации, переводящего занимательные эпизоды повседневности в плоскость метафорического языка бытия человека и мира. В работах И. Лемоновой ощущается специфика эмали, в значительной степени вырастающей из традиций стенописи и иконописи, поэтому естественным выглядит равновесное  взаимодействие монументальности и живописности, обобщения и детализации, декоративности и живописности, пространственности и условности, рациональности и  импровизации. Важным элементом визуальных решений художника является основа для крепления металлической пластины (дерево или его производные), форма, цвет и фактура которой вписываются в общий строй каждого произведения.

Впечатляющее многообразие работ складывается вокруг серий, над которыми художник работает в течение нескольких лет: «Нерассказанные истории», «Айтуарская степь», «Священный танец», «Музыка», «Русский север», «Горянки» и др. Тематическое богатство определяет широту жанрового диапазона: пейзажи, натюрморты, портреты, бытовой жанр, символико-метафорические формы и т.д. При этом опорой для автора служит, прежде всего, натурный импульс (жизненное впечатление, наблюдённая сцена и т.д.) или вербальная основа (рассказы родственников, тексты Священного писания, мифы, фольклорные источники).

Одна из ранних серий И. Лемоновой - «Мировое древо» -  вырастает из осмысления  архетипических оснований первобытной мифологии: простые геометрические элементы сопрягаются со сложноорганизованным фоном и наполняются символическим содержанием, свойственным глубинным истокам культуры.  Серия «Нерассказанные истории» («Ложки-духи», «Как будто было», «Сёстры», «Ромашки», «Он или не он», «Дедушкины валенки»,  вырастает из повествований родных, описывавших свою жизнь в деревне: про бабушкин дом, отношения сестёр, озорную козу, полезшую на сеновал, дедушкины валенки, иные воспоминания… Пластико-колористическим ключом для визуальных воплощений становятся полосатые половички - непременный атрибут деревенского быта, определяющие структуру эмальерной картины, главным элементом которой становится ритм. Чёткое геометрическое чередование цветных полос влияет на построение больших масс, на фоне которых разворачиваются события, суть которых кроется в деталях, открывающихся по мере вхождения в каждую работу, настроение которой определяется эмоциональным отношением автора. Виртуозная игра ракурсами в плоскостных решениях композиции или умение предвосхитить живописные сочетания многослойной  красочно-светоносной эмальерной поверхности помогают раскрыть содержательный аспект замысла.

Применяя музыкальные средства выразительности, особенно ритм, художник обращается к музыке и танцу как к элементам искусства, произрастающего из древних ритуалов. Особенно внятно это читается в серии «Мохол», связанной с сюжетами и персонажами Ветхого завета, в частности, с образом царя Давида. Согласно библейской истории изральско-иудейский царь Давид (XI-X вв. до н.э.) учредил в Иерусалиме сообщества музицирующих певцов и танцоров, которым поручил богослужебное сопровождение. По всей вероятности, часть из них имела хананейско-угаритско-финикийское происхождение, где музыка, поэзия, танец были единством, связанным с культами местных божеств. Экстатическая пляска, в процессе которой участники ритуального действа входили в транс и становились частью мироздания, где соединялись люди, божества и природа, была свойственна и самому Давиду (тексты Библии сохранили упрёки жены Давида, дочери царя Саула Мелхолы, в том, что он «скачет с народом», а он отвечал ей, что «пред Господом играть и плясать буду», 2 Цар. 5:2). Давиду также приписывают авторство сборника псалмов (славословий в четь Господа), его музыкально-поэтическая одарённость многие столетия трактуется как особая богоизбранность, сочетающая политико-государственный и жреческий аспекты. Важно, что Давид в момент посвящённой Господу пляски является частью своего народа, он важен не сам по себе, а как представитель богоизбранного народа.

Отталкиваясь от образа Давида, художник идёт гораздо дальше и раскрывает идею священного танца как процесса разворачивания мироздания, пульсации вселенских энергий в одной человеческой жизни, открывающей особые каналы связи с Богом. Так,  в работах «Пляска Давида», «Ликование с бубнами», «Девушки 15 ава», «Ночное ликование», «Музицирование луками», «Ночной бег плеяд», «Орфей и Эвридика», «Хоровод», «Акапелла» и др., автор сопрягает пластическую выразительность прихотливых линий человеческих фигур и полуабстрактность фонового окружения, ритмическое богатство отдельных повторяющихся элементов (рифмующиеся движения частей тела, деталей одежды, музыкальных инструментов) и живописность фактур, позволяющих в едином визуальном ансамбле звучать всем линиям и нотам, только вместе определяющим глубину и масштабность семантического наполнения.

Серия «Айтуарская степь»  обращена, прежде всего, к специфическому ландшафту Южного Урала (Оренбургская область), сочетающего высокие равнины с типчаково-ковыльной растительностью и горными балками, водораздельные гряды и склоны с  мелкосопочниками и каменистыми останцами. Чтобы выразить своё восхищение особенностями этого природного региона, художник применяет горизонтальные форматы и колористический строй, основанный на аккордах теплых охристо-жёлтых,  розово-красных оттенков цвета в сочетании с зелёным, синим, голубым. Сплавление пигментов образует сложную красочную ткань, на фоне которой выразительно звучат силуэты горных гряд, человеческих фигур, мерцания воздушных потоков, ритмы ковыльных трав и  камней. Серия «Горянки»  - это  восхищение автором от красоты и бережного сохранения традиций женского национального костюма отдельных народов. В ней плоское изображение дополняется объёмными деталями, усиливающими особый этнический колорит.

В экспозицию также входят работы разных жанров, в которых художник доказывает, насколько богата и выразительна техника эмали в руках мастера. «Бабушкина герань», «Иней», «Время цветения», «Машенька в кузню забегала», «Татьяна», «Светлана», «Подруги» и др. позволяют погрузиться в рассказываемую автором историю или прикоснуться к характеру и внутреннему миру отдельной личности.

Серия эмалей, связанная с текстилем, - это не только работа «Полотно времени», в котором заключена метафора жизни и времени, но и остроумная игра формой металлическими пластинами, имитирующими ткани.

В пространстве экспозиции «Моя горячая эмаль» особенно остро ощущаются слова мастера эмали, профессора Ю. Шнайдера: «Лишь тот, чье сердце полностью отдано своей профессии, кто владеет ее тайной и мастерством, тому эти задачи будут по плечу. Но тот, кто ради выгоды надеется на поверхностные знания, тому следует закрыть эту книгу, так как художественное эмалирование не принесет ему богатства. Только духовно богатые люди найдут в нем творческое удовлетворение».

Галина Шарко, искусствовед